История будапештского собрания началась задолго до открытия Музея изобразительных искусств, которое состоялось 1 декабря 1906 года. Сейчас трудно сказать, какое событие было важнее – решение семьи Эстерхази о продаже венгерскому государству своей коллекции в 1870 году или открытие Национальной картинной галереи в 1851 году, директором которой в 1884 году был назначен Карой Пульски. Картинная галерея, основанная по предложению палатина Иосифа Австрийского, начала собирать произведения венгерских художников, ее по праву можно считать предшественницей нынешней Венгерской национальной галереи.
В отличие от больших европейских музеев, в основе которых лежат королевские коллекции, венгерское собрание существует благодаря собирательской деятельности аристократии, высшего духовенства и богатой буржуазии. Музей изобразительных искусств можно назвать «коллекцией коллекций» или «собранием собраний», его ядром является коллекция семьи Эстерхази, формировавшаяся на протяжении почти полутора веков. Ее основу заложил герцог Пал Эстерхази (1635–1713), палатин Венгрии, самый влиятельный и богатый аристократ страны; а во времена Миклоша II собрание пополнилось тысячей картин и несколькими тысячами рисунков и гравюр. По желанию общественности в 1865 году коллекцию перевезли из Вены в Пешт и выставили в залах нового здания Венгерской академии наук, отведенных для Национальной картинной галереи. В 1870 году семья Эстерхази решила поправить свое материальное положение и продать коллекцию – венгерское государство приобрело 637 картин, 3535 рисунков и 51 301 гравюру.
Второй важной коллекцией из Национального музея было собрание эгерского архиепископа Яноша Ласло Пиркера, который, будучи патриархом Венеции на протяжении семи лет, приобретал произведения в основном венецианских мастеров XVI–XVIII веков, но его также интересовала и немецкая, и нидерландская живопись. В 1836 году он передал в дар Национальному музею свою коллекцию, насчитывавшую 192 произведения искусства.
Третья часть хранившегося в Национальном музее собрания объединяла те произведения, которые по распоряжению Лайоша Кошута, регент-президента Венгрии, были переданы в общественную собственность во время революции и освободительной борьбы против Габсбургов 1848–1849 годов. Из Будайского королевского замка в музей было перевезено 78 картин.
Такое количество художественных произведений уже невозможно было достойно представить в экспозиционных залах Венгерской академии наук, где располагалась картинная галерея. Именно поэтому был основан Музей изобразительных искусств и по проекту архитекторов Альберта Шикеданца и Фюлёпа Херцога построено новое здание, ставшее памятником венгерской архитектуры историзма конца XIX века.
Однако жизнь не остановилась на месте, после открытия музей продолжал обогащаться дарами и покупками: граф Янош Палффи в 1907 году завещал музею свое собрание, в 1908 году музей приобрел античную коллекцию немецкого археолога Пауля Арндта, в 1914-м – 83 бронзовые фигуры, купленные скульптором Иштваном Ференци в Риме.
После Первой мировой войны и распада Австро-Венгерской империи на основе заключенного в 1932 году Венецианского соглашения из Австрии были переданы произведения искусства, имевшие отношение к венгерскому национальному наследию и культуре. Во время Второй мировой войны бóльшая часть коллекции была вывезена в Германию, сохранившиеся шедевры вернулись в музей в 1946 году.
В 1957 году в музее началось драматическое отделение венгерского искусства от европейского: сначала в открытую в здании курии (верховного суда) Венгерскую национальную галерею на площади Лайоша Кошута переехала коллекция отечественного искусства XIX–XX веков. В 1974 году в отреставрированный после Второй мировой войны Будайский королевский дворец начали перевозить шедевры старого венгерского искусства, за ними постепенно последовали все венгерские собрания из Музея изобразительных искусств. В течение нескольких лет во дворце открывались новые залы и постоянные экспозиции.
До весны 2012 года существовало два отдельных музея: Венгерская национальная галерея на крепостной горе в Буде и Музей изобразительных искусств на площади Героев в Пеште, а в 2012 году музеи опять объединили, восстановилось положение времен основания коллекции, когда венгерское искусство было представлено в европейском контексте.
Мы выделили 5 мастеров венгерского искусства XIX века и подробней остановились на их работах из собрания Венгерской национальной галереи.
Миклош Барабаш, Голубиная почта, 1843
Миклош Барабаш – венгерский портретист и пейзажист. Получил признание и широкую известность именно благодаря портретам деятелей культуры, искусства и политики. Изображения композитора Ференца Листа считается одним из шедевров творчества Барабаша.
Голубиная почта – не портрет девушки, как может показаться на первый взгляд, а неподдельная жанровая картина стиля бидермайер, о чем свидетельствуют светлая цветовая палитра, непосредственность, прелесть этой работы.
Композиция, показывающая женщину в комнате у окна, часто встречается в голландских жанровых работах XVII века. Сравнив Голубиную почту с голландским искусством, зритель, возможно, почувствует, что она слишком слащава или манерна. Эта картина представляет буржуазный стиль жизни и полностью удовлетворяет вкусам того времени. О ее популярности свидетельствует тот факт, что Барабаш написал не одну ее копию.
Возможно, символика Голубиной почты неслучайна: комнату, в которой сидит девушка, можно воспринять как клетку, освобождение из которой дает только любовь. Голубь символизирует и верность, и настоящую любовь, и свободу. Героиня еще держит птицу, но одно крыло голубя уже расправлено, и он вот-вот вылетит в окно. Белый цвет – символ невинности. Интересно, что художники – коллеги Барабаша – чуть ли не соревновались, кто сколько оттенков белого может изобразить. На холсте минимум три оттенка: цвет платья непохож ни на белую раму окна, ни на оперение птицы. Не забывает Барабаш и закодировать венгерские национальные цвета – белое платье, красная шаль и зеленая драпировка на заднем плане.
Берталан Секей, Мальчик с бутербродом, ок. 1875
Берталан Секей был одним из самых известных венгерских академических художников XIX века. Кроме славы создателя полотен на историческую тематику, Секей был известен как превосходный портретист.
Гармоничная семейная жизнь художника благоприятно влияла на развитие портретного жанра его живописи. У него было четверо детей: Арпад, который тоже стал художником и графиком, Акош, Армин и Женни. Секей неоднократно писал портреты всех своих детей. Перед зрителем его третий сын Армин приблизительно в возрасте пяти лет, по возрасту ребенка как раз определили дату создания картины.
Секей прекрасно видел характер, душу своих моделей, даже официальные портреты на заказ никогда не получались у него безликими. Он пытался понять модель и проникнуться ее настроением. Особенно это чувствуется на его детских портретах. Секею и в голову не пришло заставить сына принять какую-то живописную позу – художник пишет подсмотренный момент, естественное движение. Можно сказать, что здесь живописец превзошел самого себя: эта непосредственность пойманного момента, живость жеста необычна даже для него. «Вырывающиеся» из серого белые и красные цветовые пятна, реалистическое изображение, ощущение незаконченности картины делают это произведение очень современным.
Михай Мункачи, Парижский интерьер, 1877
Если из-за сложности произношения венгерских имен или скромных знаний в области венгерской живописи мы все же захотим запомнить хотя бы одного-единственного художника, это, наверное, должен быть Михай Мункачи, один из самых выдающихся мастеров XIX века. Мункачи рукоплескала не только Венгрия, но и Париж, Вена, Лондон, Нью-Йорк. Достойная романов судьба, невероятный успех, разрозненность, а порой и недоступность его шедевров, используемый Мункачи битум, который вызывает постепенное потемнение, исчезновение его картин – все это способствовало созданию культа мастера еще при жизни. Прославился художник в Париже в 1870 году на выставке Салона. Благодаря полотну Камера смертника родился «венгерский Гойя» и «месье Последний день».
С 1877 года постепенно складывается новый стиль художника, так называемая салонная живопись. Несмотря на то, что многие считали ее несерьезной, она была необычайно популярна и востребована.
Парижский интерьер принято считать первой салонной картиной Мункачи. В таких сценах зритель может погрузиться в красочный и безмятежный мир, главные действующие лица которого, как правило, элегантные молодые женщины и дети. Часто на полотнах присутствуют животные – породистые собаки, экзотические попугаи. На некоторых картинах можно найти Шушу, любимого мопса художника. Мункачи писал замечательные натюрморты особым методом брызгающей краски, кисть буквально летала в его пальцах. Вскоре натюрморт стал отдельным жанром его живописи. К салонным картинам художник относился так же серьезно, как и к ранним драматическим сюжетам, он делал много эскизов, зарисовок и фотографий, разрабатывал каждую деталь. И для него лично эти сцены были не менее важны, чем предыдущие работы, – ему было все равно, выполнялись ли они на заказ или на продажу. Эти картины были первоклассными и востребованными, и поэтому успех Мункачи был заслуженным.
Пал Синьеи-Мерше, Майский пикник, 1873 и Воздушный шар, 1878
Синьеи-Мерше родился в дворянской семье на территории нынешней Словакии. Учился живописи в академии в Мюнхене. И говоря о нем, хочется рассказать о двух картинах.
Майский пикник – одна из самых знаменитых и самых красивых картин венгерской живописи. Такое изображение беззаботности, радости, весны, праздника гармонии крайне редко встречалось в искусстве Венгрии той эпохи, когда безраздельно царил историзм. Синьеи-Мерше написал компанию друзей, среди которых мы узнаем самого художника – он повернулся к зрителям спиной. Синьеи-Мерше утверждал, что так он выразил свое отношение к критикам, то есть подозревал, что им не понравится картина, и хотел показать, что их мнение его не интересует. Молодая женщина в белом платье – Мария Пробстнер, сестра будущей жены художника. Остальные персонажи написаны непортретно, но можно предположить, что рыжеволосая девушка и есть Жофиа Пробстнер, за которой уже ухаживал Синьеи-Мерше. Слава пришла к художнику более чем через 20 лет после создания Майского пикника – настолько он опередил свое время. Пала Синьеи-Мерше нередко причисляют к импрессионистам, однако более правильно считать, что он создал основы для развития пленэрной живописи, показал магию солнечного света и свежесть красок.
В 1882 году художник опять покажет Майский пикник в Вене. С этим событием связано рождение первой инсталляции в венгерском искусстве. Синьеи-Мерше принес из Венского леса пласты дерна с травой и с помощью построенных плотником полок продолжил лужайку в выставочном зале, то есть настоящая трава почти касалась луга, написанного на картине, а рама была совсем не видна. Посетители не могли оторваться от этого зрелища.
Воздушный шар – одна из самых оригинальных картин Синьеи-Мерше, ее даже можно назвать репортажем с места события. Композиция очень проста и представляет собой круг, вписанный в квадрат. В корзине воздушного шара – Бела Пробстнер, брат жены художника, который, кстати, тоже неплохо владел кистью. Свое состояние Бела тратил на продолжительные путешествия, он побывал в Китае, Японии, Индии, Египте. При этом Бела живо интересовался всеми техническими достижениями, прекрасно фотографировал, увлекался астрономией и один раз путешествовал на воздушном шаре. Это событие и вдохновило Синьеи-Мерше на создание картины Воздушный шар. Сам художник настолько серьезно интересовался воздухоплаванием, что в годы учебы в Мюнхенской академии художеств он попробовал построить самолет.
Бела Пробстнер отправился в путешествие по Западной Европе, на картине Синьеи-Мерше он уплывает на полосатом веселом шаре и машет провожающим белым платком. Художник и сам с удовольствием составил бы ему компанию: человеку, поднимающемуся к облакам, не нужно заниматься земными делами, например обращать внимание на критиков. Победив силу притяжения, шар летит вместе с птицами и символизирует свободу мысли и творчества.
Шандор Бихари, Перед судьей, 1886
Венгерский художник еврейского происхождения Шандор Бихари переехал в Будапешт в 1874 году. Он занимался ретушью в фотостудии, одновременно посещая школу рисования, которой руководил Берталан Секей. Именно Секей поспособствовал поступлению Шандора в Академию изящных искусств в Вене. Он вернулся в свой родной город, где провел три года, работая художником-портретистом, пока благотворитель, которому понравились его работы, не предоставил ему средства для учебы в Париже. По возвращении в Венгрию он поселился в Сольноке – знаменитой колонии художников.
Художник считал, что те картины, которые он хочет писать, возможно создать только в Венгрии и с венгерскими моделями, а найти модели в Сольноке и его окрестностях было невозможно – часто позировать соглашались только цыгане, как правило мужчины. Так они постепенно стали тем самым «венгерским типом».
Действие картины Перед судьей происходит не в зале суда, а в приемной сельского судьи, обстановка которой скромная, потолок над лампой закопчен, но на столе стоит довольно большое распятие. Музыкант как доказательство показывает свою сломанную скрипку, рядом с ним в жилетке и ментике улыбается виновный – он по праву рассчитывает на то, что выйдет сухим из воды, ведь в социальной иерархии он стоит намного выше. Очень колоритные, интересные персонажи: и молодая женщина, смеющаяся над рассчитывающим на справедливое решение цыганом, и страдающий от зубной боли музыкант с горящим взглядом. По лицам членов маленького оркестра и девушки, которая тоже выступает свидетелем, зритель видит, что они надеются на справедливость. Ведь сломанная скрипка была кормилицей цыгана. Доказывая свою правоту, музыкант бросил оземь шапку. Однако судья еле сдерживает улыбку, улыбается и стоящий за столом господин. Возможно, решение уже вынесено.
В 1990 году ООН выпустила серию марок, иллюстрирующую 11-ю статью Всеобщей декларации прав человека, на одной из марок – картина Шандора Бихари Перед судьей.
Оценить все богатство венгерской коллекции – от средневековых деревянных скульптур и готических алтарей до произведений наших современников – поможет альбом серии «Великие музеи мира».
«Будапешт. Национальные художественные музеи» написан Марией Николаевой – сотрудником Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи, одним из авторов журнала Венгерские музеи и просветительского проекта Arzamas.
